Huyền thoại về các nghệ sĩ thời Phục hưng

2024 Tác giả: Seth Attwood | [email protected]. Sửa đổi lần cuối: 2023-12-16 16:20

Theo phiên bản chính thức, vào đầu thế kỷ 14-15, một sự thay đổi mạnh mẽ đã diễn ra trong hội họa - thời kỳ Phục hưng. Vào khoảng những năm 1420, mọi người đột nhiên trở nên giỏi vẽ hơn rất nhiều. Tại sao hình ảnh đột nhiên trở nên chân thực và chi tiết đến vậy, trong tranh lại có ánh sáng và âm lượng?

Không ai nghĩ về điều này trong một thời gian dài. Cho đến khi David Hockney nhặt một chiếc kính lúp lên.

Một lần ông đang xem các bức vẽ của Jean Auguste Dominique Ingres, người đứng đầu trường học Pháp thế kỷ 19. Hockney bắt đầu quan tâm đến việc xem những bức vẽ nhỏ của mình trên quy mô lớn hơn, và anh đã phóng to chúng trên một máy photocopy. Đây là cách ông tình cờ khám phá ra một mặt bí mật trong lịch sử hội họa kể từ thời Phục hưng.

Sau khi phô tô các bản vẽ nhỏ (khoảng 30 cm) của Ingres, Hockney đã rất ngạc nhiên về độ chân thực của chúng. Và anh cũng nghĩ rằng những câu thoại của Ingres đã gợi cho anh một điều gì đó. Hóa ra là chúng làm anh nhớ đến công việc của Warhol. Và Warhol đã làm được điều này - anh ấy chiếu một bức ảnh lên canvas và phác thảo nó.

Hockney nói những trường hợp thú vị. Rõ ràng Ingres đã sử dụng Máy ảnh Lucida - một thiết bị là một cấu trúc có lăng kính được gắn, chẳng hạn như trên giá đỡ cho máy tính bảng. Vì vậy, người nghệ sĩ, nhìn vào bản vẽ của mình bằng một mắt, nhìn thấy hình ảnh thực, và với mắt kia - bản vẽ và bàn tay của anh ta. Nó tạo ra một ảo ảnh quang học cho phép bạn chuyển chính xác tỷ lệ cuộc sống thực vào giấy. Và đây chính xác là "bảo chứng" cho tính chân thực của hình ảnh.

Sau đó, Hockney bắt đầu quan tâm đến loại hình vẽ và tranh "quang học" này. Trong xưởng vẽ của mình, anh và nhóm của mình đã treo hàng trăm bản sao của các bức tranh được tạo ra qua nhiều thế kỷ trên tường. Những tác phẩm trông "thật" và những tác phẩm không giống. Sắp xếp theo thời điểm sáng tạo và theo khu vực - phía bắc ở trên cùng, phía nam ở phía dưới, Hockney và nhóm của ông đã nhận thấy sự thay đổi rõ nét trong hội họa vào đầu thế kỷ 14-15. Nói chung, tất cả những ai biết ít nhất một chút về lịch sử nghệ thuật đều biết - thời kỳ Phục hưng.

Có lẽ họ đã sử dụng cùng một máy ảnh sáng suốt? Nó đã được cấp bằng sáng chế vào năm 1807 bởi William Hyde Wollaston. Mặc dù trên thực tế, một thiết bị như vậy được Johannes Kepler mô tả vào năm 1611 trong tác phẩm Dioptrice của ông. Sau đó, có thể họ đã sử dụng một thiết bị quang học khác - một camera obscura? Rốt cuộc, nó đã được biết đến từ thời Aristotle và là một căn phòng tối mà ánh sáng đi vào qua một lỗ nhỏ và do đó trong phòng tối sẽ thu được hình chiếu của những gì ở phía trước lỗ, nhưng bị đảo ngược. Mọi thứ sẽ ổn, nhưng hình ảnh thu được khi chiếu bằng máy ảnh không có ống kính, nói một cách nhẹ nhàng, chất lượng không cao, không rõ nét, cần nhiều ánh sáng, chưa kể kích thước. của hình chiếu. Nhưng những ống kính chất lượng gần như không thể được tạo ra cho đến thế kỷ 16, vì không có cách nào để có được loại kính chất lượng như vậy vào thời điểm đó. Hockney nghĩ rằng những việc cần làm vào thời điểm đó đã đấu tranh với vấn đề với nhà vật lý Charles Falco.

Tuy nhiên, có một bức tranh của Jan Van Eyck, một họa sĩ gốc Bruges và họa sĩ Flemish đầu thời Phục hưng, trong đó một manh mối được che giấu. Bức tranh có tên "Chân dung cặp đôi Arnolfini".

Bức tranh chỉ đơn giản là tỏa sáng với một lượng lớn các chi tiết, điều này khá thú vị, bởi vì nó chỉ được vẽ vào năm 1434. Và tấm gương đóng vai trò như một gợi ý về việc tác giả đã cố gắng thực hiện một bước tiến lớn như vậy trong tính hiện thực của hình ảnh như thế nào. Và chân nến cũng vô cùng phức tạp và thực tế.

Hockney tò mò bùng nổ. Anh ấy đã nắm giữ một bản sao của một chiếc đèn chùm như vậy và cố gắng vẽ nó. Người nghệ sĩ đã phải đối mặt với thực tế rằng một thứ phức tạp như vậy rất khó để vẽ theo góc nhìn. Một điểm quan trọng khác là tính trọng yếu của hình ảnh của vật thể kim loại này. Khi mô tả một vật thể bằng thép, điều rất quan trọng là phải đặt các điểm nổi bật càng chân thực càng tốt, vì điều này mang lại một lượng lớn độ chân thực. Nhưng vấn đề với những điểm nổi bật này là chúng di chuyển khi ánh nhìn của người xem hoặc nghệ sĩ di chuyển, có nghĩa là không dễ dàng để nắm bắt chúng. Và hình ảnh chân thực của kim loại và ánh sáng chói cũng là một đặc điểm khác biệt của tranh thời Phục hưng, trước đó các họa sĩ thậm chí còn không cố gắng làm điều này.

Bằng cách tạo lại mô hình ba chiều chính xác của đèn chùm, nhóm Hockney đảm bảo rằng chiếc đèn chùm trong Bức chân dung của Cặp đôi Arnolfini được vẽ chính xác trong phối cảnh với một điểm biến mất duy nhất. Nhưng vấn đề là những dụng cụ quang học chính xác như một chiếc máy ảnh có ống kính đã không tồn tại trong khoảng một thế kỷ sau khi bức tranh được tạo ra.

Đoạn phóng to cho thấy tấm gương trong bức tranh "Chân dung cặp đôi Arnolfini" là mặt lồi. Vì vậy, đã có những chiếc gương ngược lại - lõm. Hơn nữa, vào những ngày đó, những chiếc gương như vậy được làm theo cách này - một quả cầu thủy tinh được lấy, và đáy của nó được phủ một lớp bạc, sau đó mọi thứ ngoại trừ phần đáy đều bị cắt bỏ. Mặt sau của gương không bị tối. Điều này có nghĩa là gương lõm của Jan Van Eyck có thể giống như gương được thể hiện trong hình, chỉ là từ mặt sau. Và bất kỳ nhà vật lý nào cũng biết một chiếc gương, khi được phản chiếu, sẽ chiếu ra hình ảnh của cái được phản chiếu là gì. Chính tại đây, nhà vật lý Charles Falco, người bạn của ông đã giúp David Hockney tính toán và nghiên cứu.

Phần rõ ràng, tập trung của hình chiếu là khoảng 30 cm vuông, chính xác bằng kích thước của những cái đầu trong nhiều bức chân dung thời Phục hưng.

Đây là kích thước ví dụ như bức chân dung của "Doge Leonardo Loredana" của Giovanni Bellini (1501), bức chân dung của một người đàn ông của Robert Campen (1430), bức chân dung của chính Jan Van Eyck "một người đàn ông trong chiếc khăn xếp màu đỏ" và nhiều hơn nữa chân dung người Hà Lan thời kỳ đầu.

Vẽ tranh là một công việc được trả lương cao và đương nhiên, mọi bí mật kinh doanh đều được giữ kín một cách nghiêm ngặt nhất. Điều có lợi cho nghệ sĩ là tất cả những người không quen biết đều tin rằng bí mật nằm trong tay của chủ nhân và chúng không thể bị đánh cắp. Công việc kinh doanh bị đóng cửa đối với người ngoài - những nghệ sĩ ở trong hội, và những người thợ thủ công đa dạng nhất trong đó - từ những người làm yên ngựa đến những người làm gương. Và trong Guild of Saint Luke, được thành lập ở Antwerp và được nhắc đến lần đầu tiên vào năm 1382 (sau đó những guild tương tự được mở ở nhiều thành phố phía bắc, và một trong những guild lớn nhất là guild ở Bruges - thành phố nơi Van Eyck sinh sống) cũng có những người làm chủ, khiến gương soi.

Vì vậy, Hockney đã tái tạo cách bạn có thể vẽ một chiếc đèn chùm phức tạp từ bức tranh của Van Eyck. Không có gì đáng ngạc nhiên khi kích thước của chiếc đèn chùm do Hockney chiếu lại hoàn toàn khớp với kích thước của chiếc đèn chùm trong bức tranh "Chân dung cặp đôi Arnolfini". Và, tất nhiên, ánh sáng chói trên kim loại - trên mặt chiếu, chúng đứng yên và không thay đổi khi nghệ sĩ thay đổi vị trí.

Nhưng vấn đề vẫn chưa được giải quyết triệt để, bởi vì trước khi xuất hiện quang học chất lượng cao, cần sử dụng camera lỗ kim, thì còn khoảng 100 năm nữa, và kích thước hình chiếu thu được với sự trợ giúp của gương là rất nhỏ.. Làm thế nào để vẽ các bức tranh lớn hơn 30 cm vuông? Chúng được tạo ra giống như một bức ảnh ghép - từ nhiều góc nhìn khác nhau, nó tạo ra một loại tầm nhìn hình cầu với nhiều điểm biến mất. Hockney nhận ra điều này, bởi vì bản thân anh ấy cũng tham gia vào những bức ảnh như vậy - anh ấy đã thực hiện nhiều bức ảnh ghép để đạt được hiệu ứng giống hệt nhau.

Gần một thế kỷ sau, vào những năm 1500, người ta cuối cùng đã có thể thu được và xử lý tốt thủy tinh - các thấu kính lớn đã xuất hiện. Và cuối cùng chúng cũng có thể được đưa vào ống kính máy ảnh, nguyên tắc đã được biết đến từ thời cổ đại. Máy ảnh ống kính obscura là một cuộc cách mạng đáng kinh ngạc trong nghệ thuật thị giác, vì hình chiếu bây giờ có thể ở bất kỳ kích thước nào. Và một điều nữa, bây giờ hình ảnh không phải là "góc rộng", mà là gần đúng khía cạnh bình thường - tức là gần giống như ngày nay khi chụp ảnh với ống kính có tiêu cự 35-50mm.

Tuy nhiên, vấn đề khi sử dụng máy ảnh lỗ kim có ống kính là hình chiếu từ phía trước từ ống kính bị phản chiếu. Điều này dẫn đến một số lượng lớn những người thuận tay trái trong hội họa trong giai đoạn đầu của việc sử dụng quang học. Như trong bức tranh từ những năm 1600 này từ bảo tàng Frans Hals, nơi một cặp người thuận tay trái đang khiêu vũ, một ông già thuận tay trái đang đe dọa họ bằng một ngón tay, và một con khỉ thuận tay trái ngang hàng dưới váy của người phụ nữ.

Vấn đề được giải quyết bằng cách lắp một gương mà ống kính hướng vào, do đó có được hình chiếu chính xác. Nhưng dường như, một chiếc gương tốt, phẳng và lớn có giá rất cao nên không phải ai cũng có.

Tập trung là một vấn đề khác. Thực tế là một số phần của bức tranh tại một vị trí của bức tranh dưới các tia chiếu bị mất nét, không rõ nét. Trong tác phẩm của Jan Vermeer, nơi có thể nhìn thấy rõ ràng việc sử dụng quang học, tác phẩm của ông nhìn chung giống như những bức ảnh, bạn cũng có thể nhận thấy những chỗ bị mất nét. Bạn thậm chí có thể nhìn thấy hình vẽ mà ống kính mang lại - "bokeh" khét tiếng. Ví dụ ở đây, trong bức tranh "Người hầu sữa" (1658), cái giỏ, cái bánh mì và cái bình màu xanh lam bị mất nét. Nhưng mắt người không thể nhìn thấy "out nét".

Và vì thế, không có gì ngạc nhiên khi một người bạn tốt của Jan Vermeer là Anthony Phillips van Leeuwenhoek, một nhà khoa học kiêm nhà vi sinh vật học, đồng thời là bậc thầy độc nhất vô nhị đã tạo ra kính hiển vi và thấu kính của riêng mình. Nhà khoa học trở thành người quản lý di cảo của nghệ sĩ. Và điều này cho phép chúng ta giả định rằng Vermeer đã miêu tả chính xác người bạn của mình trên hai bức tranh sơn dầu - "Nhà địa lý" và "Nhà thiên văn học".

Để nhìn thấy bất kỳ phần nào được lấy nét, bạn cần thay đổi vị trí của canvas dưới các tia chiếu. Nhưng trong trường hợp này, sai số về tỷ lệ đã xuất hiện. Như bạn có thể thấy ở đây: bờ vai to lớn của "Anthea" Parmigianino (khoảng 1537), cái đầu nhỏ của "Lady Genovese" Anthony Van Dyck (1626), bàn chân khổng lồ của người nông dân trong bức tranh của Georges de La Tour.

Tất nhiên, tất cả các nghệ sĩ đã sử dụng ống kính khác nhau. Có người vẽ phác thảo, có người được tạo thành từ các bộ phận khác nhau - sau tất cả, giờ đây đã có thể tạo ra một bức chân dung, và hoàn thành phần còn lại bằng một mô hình khác hoặc với một hình nộm nói chung.

Velazquez cũng gần như không có hình vẽ. Tuy nhiên, kiệt tác của ông vẫn còn - một bức chân dung của Giáo hoàng Innocent thứ 10 (1650). Trên áo choàng của người cha - rõ ràng là lụa - có một tia sáng rất đẹp. Blikov. Và để viết tất cả những điều này từ một góc nhìn, bạn đã phải cố gắng rất nhiều. Nhưng nếu bạn thực hiện một phép chiếu, thì tất cả vẻ đẹp này sẽ không biến mất - ánh sáng chói không còn di chuyển, bạn có thể viết chính xác những nét vẽ rộng và nhanh như của Velazquez.

Sau đó, nhiều nghệ sĩ đã có thể mua được một chiếc máy ảnh, và điều này đã không còn là một bí mật lớn. Canaletto tích cực sử dụng máy ảnh để tạo ra khung cảnh của mình về Venice và không che giấu nó. Những hình ảnh này, do độ chính xác của chúng, có thể nói về Canaletto như một nhà làm phim tài liệu. Nhờ có Canaletto, bạn không chỉ có thể nhìn thấy một bức tranh tuyệt đẹp, mà còn cả lịch sử của chính nó. Bạn có thể thấy cây cầu Westminster đầu tiên ở London vào năm 1746.

Nghệ sĩ người Anh, Sir Joshua Reynolds, sở hữu một chiếc camera che khuất và dường như không nói cho ai biết về nó, bởi vì chiếc máy ảnh của anh ấy gấp lại và trông giống như một cuốn sách. Ngày nay nó được đặt trong Bảo tàng Khoa học Luân Đôn.

Cuối cùng, vào đầu thế kỷ 19, William Henry Fox Talbot, sử dụng camera-lucide - thứ mà bạn cần phải nhìn bằng mắt và vẽ bằng tay, đã nguyền rủa, quyết định rằng sự bất tiện như vậy phải được loại bỏ. một lần và mãi mãi, và trở thành một trong những nhà phát minh ra nhiếp ảnh hóa học, và sau đó là một nhà phổ biến đã làm cho nó trở nên khổng lồ.

Với sự phát minh của nhiếp ảnh, độc quyền của hội họa về tính hiện thực của bức tranh đã biến mất, bây giờ bức ảnh đã trở thành một độc quyền. Và đây, cuối cùng, hội họa đã tự giải phóng mình khỏi ống kính, tiếp tục con đường mà nó đã đi vào những năm 1400, và Van Gogh đã trở thành người đi trước của tất cả nghệ thuật của thế kỷ 20.

Việc phát minh ra nhiếp ảnh là điều tuyệt vời nhất đã xảy ra với hội họa trong toàn bộ lịch sử của nó. Không còn cần thiết phải tạo ra những hình ảnh thực tế độc quyền nữa, nghệ sĩ đã trở nên tự do. Tất nhiên, công chúng phải mất một thế kỷ để bắt kịp với các nghệ sĩ về hiểu biết của họ về âm nhạc hình ảnh và ngừng coi những người như Van Gogh là "điên rồ". Đồng thời, các nghệ sĩ bắt đầu tích cực sử dụng các bức ảnh như một "tài liệu tham khảo". Sau đó những người như Wassily Kandinsky, người tiên phong người Nga, Mark Rothko, Jackson Pollock xuất hiện. Sau hội họa, kiến trúc, điêu khắc và âm nhạc đã được giải phóng. Đúng là trường phái hội họa của Nga đang gặp khó khăn về thời gian, và ngày nay việc sử dụng nhiếp ảnh để trợ giúp vẫn là một điều đáng xấu hổ đối với các học viện và trường học, và thành tích cao nhất được coi là khả năng thuần túy kỹ thuật để vẽ chân thực nhất có thể bằng tay không.

Nhờ một bài báo của nhà báo Lawrence Weschler, người có mặt trong cuộc nghiên cứu của David Hockney và Falco, một sự thật thú vị khác được tiết lộ: bức chân dung của vợ chồng Arnolfini do Van Eyck thực hiện là chân dung của một thương gia người Ý ở Bruges. Ông Arnolfini là một người Florentine và hơn thế nữa, ông là đại diện của ngân hàng Medici (thực tế là những chủ sở hữu của Florence trong thời kỳ Phục hưng, được coi là những người bảo trợ cho nghệ thuật thời đó ở Ý). Và điều này nói lên điều gì? Thực tế là anh ta có thể dễ dàng mang theo bí mật của hội thánh Luke - chiếc gương - cùng với anh ta, đến Florence, nơi, theo lịch sử truyền thống, thời kỳ Phục hưng bắt đầu, và các nghệ sĩ từ Bruges (và theo đó là những bậc thầy khác). được coi là "những người theo chủ nghĩa nguyên thủy".

Có rất nhiều tranh cãi xung quanh lý thuyết Hockney-Falco. Nhưng chắc chắn có một phần sự thật trong đó. Đối với các nhà nghiên cứu lịch sử, phê bình và sử học nghệ thuật, thậm chí còn khó tưởng tượng có bao nhiêu công trình khoa học về lịch sử và nghệ thuật thực sự trở thành vô nghĩa, điều này cũng thay đổi toàn bộ lịch sử nghệ thuật, tất cả các lý thuyết và văn bản của chúng.

Thực tế là việc sử dụng quang học không có cách nào làm giảm tài năng của các nghệ sĩ - xét cho cùng, kỹ thuật là một phương tiện truyền đạt những gì nghệ sĩ muốn. Và ngược lại, việc có một thực tế thực sự trong những bức tranh này chỉ làm tăng thêm sức nặng cho chúng - suy cho cùng, đây là cách con người thời đó, mọi thứ, cơ sở, thành phố trông như thế nào. Đây là những tài liệu có thật.

Lý thuyết Hockney-Falco được tác giả David Hockney trình bày chi tiết trong bộ phim tài liệu "Kiến thức bí mật" của BBC David Hockney, có thể xem trên YouTube (phần 1 và phần 2 bằng tiếng Anh. lang.):